El
Arte Griego marca un referente para la civilización occidental que perdurará
hasta nuestros días. Los modelos griegos de la antigüedad son tenidos como
clásicos y los cánones escultóricos y los
estilos arquitectónicos han sido recreados una y otra vez a lo largo de la
historia de Occidente.
PINTURA
Para
hablar de la pintura griega es necesario hacer referencia a la cerámica, ya que
precisamente en la decoración de ánforas, platos y vasijas,cuya
comercialización era un negocio muy productivo en la antigua Grecia, fue donde
pudo desarrollarse este arte.
Al
comienzo los diseños eran elementales formas geométricas -de ahí la
denominación de geométrico que recibe este primer período ( siglos IX y VIII a.
C. )- que apenas se destacaban sobre la superficie.
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Edipo interrogado por la Esfinge
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Ánfora ática, decorada con Heracles y el
toro Minos
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Aquiles y Ayax jugando a los dados
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Copa Ática decorada con Atletas
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Corredores durante los Juegos Panatenaicos
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Crátera con una escena de preparación de un
espectaculo teatral
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Con
el correr del tiempo, éstas se fueron enriqueciendo progresivamente hasta
cobrar volumen. Aparecieron, entonces, los primeros dibujos de plantas y
animales enmarcados por guardas denominadas "meandros". En un próximo
paso, ya en el período arcaico ( siglos VII y VI a.
C. ), se incluyó la figura humana, de un grafismo muy estilizado. En medio de las nuevas
tendencias naturalistas, ésta cobró mayor importancia al servicio de la
representaciones mitológicas.
Las
escenas se organizaron en franjas horizontales paralelas que permitían su
lectura girando la pieza de cerámica. Con el reemplazo del punzón por el pincel
los trazados se volvieron más exactos y detallistas. Las piezas de cerámica
pintadas comienzan a experimentar una notable decadencia durante el clasicismo
(siglos IV y V a. C.) para resurgir triunfantes en el períodohelenístico (siglo III),
totalmente
renovadas, plenas de color y ricamente decoradas.
- ESCULTURA
Las
primeras esculturas griegas (siglo IX a. C.) fueron pequeñas figuras humanas
hechas en materiales muy maleables tales como la
arcilla, el marfil o la cera. No fue hasta el período arcaico (siglos VII y VI
a. C.)que los griegos comenzaron a trabajar la piedra. Los motivos más comunes
de las primeras obras eran sencillas estatuas de muchachos (kouros) y
muchachas (korés). De formas lisas y redondeadas, estas figuras
plasmaban en la piedra una belleza ideal.
Estas
figuras guardaban una gran similitud con las esculturas egipcias que habían
servido de modelo. Con la llegada del clasicismo ( siglos V y IV a. C. ), la
estatuaria griega fue tomando un carácter propio y abandonó definitivamente los
primitivos patrones orientales. Gracias al estudio de las proporciones se pudo
copiar fielmente la anatomía humana y los rostros ganaron definitivamente en
expresividad y realismo.
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Discóbolo de Mirón
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Hermes sosteniendo a Dionisos niño
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Laocoonte y sus hijos
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Tales de Mileto
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Venus de Milo
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Victoria de Samotracia
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Se introdujo
el concepto de "contrapposto", posición por la cual la
escultura se apoyaba totalmente sobre una pierna, dejando la otra libre, y el
principio del dinamismo cobró forma en las representaciones de atletas en plena
acción. Algunos de los grandes artistas del clasicismo fueron Policleto, Mirón, Praxíteles y Fidias, aunque tampoco se puede
dejar de mencionar a Lisipo, que intentando plasmar
las verdaderas facciones del rostro, logró los primeros retratos.
Durante
el período helenístico (siglo III a. C.) se enfatizaron y sofisticaron las
formas heredadas del clasicismo. Así, producto de esta recepción, surgieron
obras de inigualable monumentalidad y belleza, como "El coloso de Rodas", de
treinta y dos metros de altura. Cabe aclarar, que tanto por su función
religiosa como decorativa, la escultura se hallaba estrechamente ligada a la
arquitectura. Así lo evidencian los trabajos estatuarios de las fachadas,
columnas e interior de los templos.
- ARQUITECTURA
El
templo fue, sin lugar a dudas, uno de los legados más importantes de la
arquitectura griega a occidente. Era de una forma bastante simple: una sala
rectangular a la que se accedía a través de un pequeño pórtico (pronaos) y
cuatro columnas que sostenían un techo bastante similar al actual tejado a dos
aguas. En los comienzos éste fue el esquema que marcó los cánones.
Del
perfeccionamiento de esta forma básica se configuró el templo griego tal y como
hoy lo conocemos. En sus comienzos, los materiales utilizados eran el adobe para los muros y la
madera para las columnas. Pero a partir del siglo VII a.C. (período arcaico),
éstos fueron reemplazados por la piedra, lo que permitió el
agregado de una nueva hilera de columnas en el
exterior (peristilo), y con lo que
la
construcción ganó en monumentalidad.
Entonces
surgieron los primeros órdenes arquitectónicos: el "dórico", al sur,
en las costas del Peloponeso y el "jónico", al este. Los templos
dóricos eran más bien bajos y macizos. Las gruesas columnas carecían de base y
el fuste era acanalado.
El capitel, muy simple, terminaba en
una moldura llamada equino. Las columnas sostenían un entablamiento (sistema
de cornisas) compuesto por un arquitrabe (zona inferior) y
un friso de tríglifos (decoración
acanalada) y metopas.
La
construcción jónica, de mayores dimensiones, descansaba sobre una doble hilera
de columnas, algo más estilizadas, también de fuste acanalado y con un sólido
basamento. El capitel culminaba en dos gráciles volutas y los frisos se
hallaban decorados con relieves. Más adelante, en el
período clásico ( siglos V y IV a. C. ), la arquitectura griega arribó a su
máximo apogeo. A los dos órdenes ya
conocidos se sumó el "corintio", con su típico capitel terminado en
hojas de acanto.
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El Partenón en la Acrópolis de Atenas
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Erecteión en la Acrópolis de Atenas
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Capitel Jónico del Templo de Artemisa
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Columnas dóricas del Heraión de Olimpia
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Restos del Templo de Apolo en Cirene
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Templo de Júpiter Heliopditamo
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Las
formas se estilizaron aún más y se agregó una tercera hilera de columnas.
El Partenón de Atenas es la más
clara ilustración de este brillante período arquitectónico griego.
En
tiempos de la dominación helénica (siglo III a. C.) la construcción,
que conservó las formas básicas del clasicismo, alcanzó el punto máximo de la
fastuosidad. Columnas de capiteles ricamente ornados sostenían frisos
trabajados en relieve de una elegancia y factura insuperable.
"En el medioevo la palabra canalla se refería a la persona que no cuidaba los bienes públicos"
Esta reflexión nos invita a dar una mirada al manejo y cuidado que estamos haciendo a los bienes del colegio.
TEATRO DE MIMOS
TEATRO DE MIMOS
Un mimo (del griego antiguo «μῖμος»,1 ‘mimos’, imitador, actor)2 es alguien que utiliza
la mímica como medio teatral o como
una acción
artística, o representa una historia a través de gestos faciales o movimientos del
cuerpo, sin uso del discurso o expresión verba.
Puede concederse al mimo teatral un origen genérico en el «μῖμος» (mimo) representado en la Antigua Grecia preclásica,5 de carácter realista y
satírico y luego asociado a otros géneros como la comedia, mezclando imitaciones y
acrobacias en un régimen general de improvisación.6 Cercano a la farsa, el mimo greco-romano
coincidía en la temática «ligera, festiva y obscena por lo general». 7 Los primeros autores
relacionados con el género fueron Epicarmo de Cos y Sofrón de Siracusa, en el siglo v antes de Cristo.678
Algunas fuentes mencionan a Puladēs de Cilicia como uno de los
creadores del mimo trágico, y a Bathullos de Alejandría, como creador del mimo cómico.9
En Roma, Trajano desterró a los mimos, Calígula les favoreció, Marco Aurelio los hizo sacerdotes de Apolo y Nerón actuó él mismo como un
mimo.10 Su popularidad a lo
largo del periodo imperial romano llegaría a eclipsar al drama culto; sin
embargo, en el siglo v, la Iglesia, llegaría a excomulgar a
los actores y conseguir del emperador la clausura de los teatros un siglo después.6
Conservado en la Europa Medieval por las compañías ambulantes, resurgió y se difundió
con la Commedia dell'Arte,8 tuvo entre sus más
dignos representantes al bufón y al cómico de la legua.1112 También se asocia el
mimo teatral con precedentes carnavalescos13
Su más moderna expresión y desarrollo se
debe al mimo y saltimbanqui Jean-Gaspard Deburau, que en el París del
siglo xix inmortalizó la figura
silenciosa con la cara enharinada.
Evolución
Las restricciones de la tecnología del cine mudo obligaba a contar las
historias con un mínimo de diálogo, que aparecía en breves intertítulos. En el cine mudo,
actores cómicos como Charles Chaplin, Harpo Marx Harold Lloyd y Buster Keaton, que aprendieron el arte
de la mímica en el teatro, lo popularizarían a través del cine. Trayectoria que
seguirían cineastas posteriores como Jacques Tati. El mimo como recurso
narrativo de apoyo de la trama tuvo especial desarrollo en el cine expresionista alemán.15
Asimismo, con posibles orígenes en la Commedia dell'Arte, el mimo ha sido un
recurso tradicional en espectáculos populares como el circo, como lenguaje de
base del payaso.16 En esa línea se sitúa
el estilo improvisado y abierto a la participación del público de Lecoq, en
oposición al estilo clásico de Marceau.17
Las danzas clásicas de la India, etiquetadas
indistintamente como bailes, rituales y formas teatrales presentan la narración
a través de gestos estilizados, con una gran variedad de posiciones de las
manos sugiriendo personajes, acciones y paisajes. La recitación, la música e
incluso el trabajo de percusión de los pies a veces acompañan la actuación. Un
ejemplo erudito pudiera ser el «natia-shastra», un antiguo tratado
sobre el teatro escrito por el musicólogo Bharata Muni, o tradiciones teatrales
japonesas como el butō y el nō.[c
Evolución
Danzas y bailes principales
El Bambuco
Es la danza de más difusión en Colombia, siendo considerada como la más representativa. Sus raíces provienen de la cultura negra, pues era bailado por los esclavos que habitaban en la región del Cauca en el siglo XVIII.
A pesar de ser considerado como un baile típico de la región andina, tuvo tanta aceptación que se difundió en todos los departamentos colombianos agregándole incluso algunas variaciones.
Esta danza se ejecuta en pareja y es llamada también como la expresión del romance campesino. Los movimientos tantos masculinos como los femeninos simulan un cortejo y el juego entre la aceptación y el rechazo.
La Guabina
Es un baile análogo al bambuco. Su temática también se vincula al amor y al cortejo en la que el danzante masculino debe hacer sus ademanes para conseguir la gracia de la dama.
Se baila en pareja pero haciéndose intercambios con otras y bailándose en fila. Los lugares de más arraigo de esta danza son Santander, Boyacá, Huila y Tolima.
El Pasillo
Nació en el siglo XIX y es una derivación del vals. Se popularizó en la región pues no podía faltar en las fiestas y reuniones de la época colonial.
Suele bailarse en tres segmentos: una introducción, el desarrollo, y un cierre en el que se repite nuevamente toda la ejecución.
Sanjuanero
Esta danza es la más característica de Tolima y Huila. Se baila en las celebraciones de San Juan, San Pedro y San Pablo. Es una variación del bambuco con influencia del Joropo y la Tambora Tolimense.
En la ejecución los movimientos son recargados con brincos de pies, grandes movimientos de las faldas para las mujeres y maniobras con los sombreros para los hombres.
El Torbellino
Pertenece a los departamentos de Boyacá, Santander y Cundinamarca. Se ejecuta en bailes patronales, bodas campesinas y en casi todas las festividades sobretodo de Cundinamarca.
Está vinculada también a los cantos campesinos y a las coplas religiosas y seculares. Los nombres de los cantos que acompañan el baile del torbellino develan una jerga campesina colonial aún vigente (sumercé, queré, vidé, ansia)
Trabajo de Investigación
Pregunta a tus familiares, vecinos y amigos sobre aspectos históricos de tu entorno.
1. Cual era el nombre de las ladrilleras y tejares que se encontraban en el entorno del colegio ?
2. En tu familia se encuentra algún familiar o pariente que haya trabajado en alguna ladrillera o tejar del sector ?
3.En tu familia se encuentra algún familiar , pariente que trabaje o haya trabajado en el sector textil-confección de la vía de la moda ?
4. En tu familia se encuentra algún familiar o pariente que trabaje las confecciones de manera particular o tercerizada ?
5. Conoces el nombre de la antigua ladrillera que estaba ubicada cerca del colegio.
6. Por que existe una chimenea en el colegio ?
7. Consideras pertinente que la chimenea que está en el interior del colegio, este incluida en los símbolos del colegio ( escudo,bandera )
8. Realiza un dibujo de la chimenea en el escudo y la bandera.
9. Pregunta en tu familia si existe algún registro fotográfico y o video.
DANZAS DE LA REGIÓN CARIBE COLOMBIANA
2.
REGIÓN CARIBE
Esta calurosa zona influenciada por
los africanos y los españoles desborda su extravagancia y alegría en su extenso
territorio, desde la península de la Guajira hasta el golfo de Urabá.
Las danzas de esta región son: La cumbia, el bullerengue, la puya, el mapalé,
el fandango, el garabato, el cumbion.
· CUMBIA
La palabra cumbia viene de la voz cumbe, de origen africano. La temática
de este baile es la lucha por el amor del negro por la india y el vestuario de
la mujer es con una pollera de colores y cargando velas en la mano derecha
mientras el hombre baila suavemente junto a ella. La mujer apoya la planta de
los pies y se desliza suavemente, con movimientos suaves tiene el busto y la
cabeza erguidos. El hombre levanta el talón del pie derecho y afirma toda la
planta del pie izquierdo, acercándose a la mujer sin tocarla, y alejado por las
velas de ésta.
EL BULLERENGUE
Danza realizada exclusivamente por mujeres, que destaca el mayor
realismo de la ascendencia africana, por la percusión de los tambores, el
palmoteo y el canto coral características de su ejecución. Parece haber surgido
como una reacción cultural dentro del contexto ceremonial de las comunidades
cimarronas, probablemente en el Palenque de San Basilio extendiéndose por otras
regiones del litoral Caribe donde la población afro colombiana fue mayor.
Básicamente es una danza ritual que se realiza de manera especial cuando las
jóvenes llegan a la pubertad. El Bullerengue simboliza la fecundidad femenina,
aunque no se descarta que también en tiempos coloniales haya tenido
connotaciones fúnebres.
En el transcurso del tiempo la danza fue tornándose parranda
callejera, bailada por una pareja mixta. Existe escasa literatura acerca del
momento en que las danzas de origen africano dejaron de ser expresiones
rituales para convertirse en bailes profanos.
· LA PUYA
Danza callejera conocida en los departamentos del Cesar y
Magdalena desde 1885 como expresión regional de ambiente fiestero, con
movimiento en las caderas moderado y rítmico. Se baila con parejas sueltas. La
actitud tanto de mujeres y hombres es de vivacidad.
·
· EL MAPALE
Mapalé es el nombre de un pez y el nombre de un tambor. Baile de marcada
ascendencia africana propio del litoral Caribe. Se dice que esta danza nació
como canto y danza de labor de pescadores que se realizaba, acompañada de
tambores, como diversión en la noche al terminar su jornada. Al observarla hoy,
todo indica que se transformó de actividad laboral a éxtasis de carácter
erótico. La forma como se baila en la actualidad difiere de lo narrado por los
cronistas.
· EL FANDANGO
El orígen del Fandango se remonta a la coexistencia (S.XVI-XVIII) de las
culturas precolombina, española y africana; y es curioso notar que la palabra
“fandango” no sólo es fruto de raices andaluzas, sino africanas («fundanga») e
índígenas, del náhauatl y el quechua. En Colombia tiene mayor presencia en el
litoral Atlántico. Es un baile popular y callejero, y se refiere al acto de
danzar en carnavales acompañado con instrumentos de viento no tradicionales.
·
· GARABATO
Esta danza de origen español
representa la lucha del bien y el mal, de la vida y la muerte. Las parejas
danzan con movimientos grandes y son influenciados por la muerte que es el
personaje principal. En esta lucha finalmente gana la vida y se hace una
celebración con baile.
· El CUMBION
Es un tipo de Cumbia más alegre y de movimientos más rápidos, dominante
en todo el litoral Atlántico. Su origen es indudablemente africano y
es una expresión coreo musical representativa de la cultura afro
colombiana. A los españoles se les atribuye el traje.
Instrumentos Musicales de la Región Caribe de Colombia
Por
Los instrumentos musicales de la región
caribe de Colombia son diseñados y tocados
para interpretar los principales géneros de la zona, como son la cumbia,
el vallenato, la champeta o el porro.
La música colombiana representa
un conjunto de conocimientos, creencias, religiones vivencias, moral y
costumbres que se encuentra implícito en la diversidad de variedades musicales
de Colombia.
Tanto de manera tradicional
como moderna, los rasgos de la música en las diferentes regiones de Colombia
son únicos y agradables.
La diversidad de expresiones
musicales encontradas en Colombia puede ser vista como el resultado de una mezcla
de influencias africanas, nativas indígenas y europeas (especialmente
españolas), así como de los estadounidenses más modernos.
Colombia tiene un vibrante
collage de talento que toca un espectro completo de ritmos que van desde la
música pop y la música clásica a la salsa y la música rock.
La música colombiana es
promovida principalmente por el apoyo de las mayores discográficas, empresas
independientes y el Gobierno de Colombia, a través del Ministerio de Cultura.
Instrumentos
musicales más utilizados en la región Caribe
Cada género de música tiene sus
instrumentos particulares y los géneros escuchados en Colombia no son la
excepción.
A continuación una lista de los
instrumentos musicales que hacen gala en la música tradicional y moderna de la
región Caribe de Colombia.
1-
Acordeón
Nadie está muy seguro de cómo
llegó el acordeón a Colombia en el siglo XIX. La leyenda dice que un barco
alemán naufragó en el río Magdalena y los acordeones rescatados fueron a
cautivar a la nación.
De cualquier manera, el acordeón
es ahora la columna vertebral de la música folklórica colombiana.
El vallenato nació en la costa
caribeña, donde los trovadores tocaban sus acordeones y cantaban historias de
pueblo en pueblo. Los acordeones también se incluyen en la música cumbia.
Cada año, Colombia tiene el
mayor concurso de acordeón del mundo, el Festival Leyenda Vallenata en
Valledupar, y el instrumento ha inspirado a algunas de las estrellas más
importantes del país, como Carlos Vives, Shakira, Juanes y Fonseca.
2-
Guacharaca
La guacharaca es un instrumento
de percusión, hecho generalmente de los troncos de las palmeras pequeñas. Es
esencialmente un tubo con crestas talladas en la superficie, raspado con un
tenedor de alambre.
Los indígenas Tairona, de la
Sierra Nevada de Santa Marta, en la costa norte de Colombia, inventaron la
guacharaca para simular el canto del pájaro guacharaca y el instrumento
representa ahora el lado indígena del vallenato y la cumbia, junto a las
influencias europeas y del oeste africano.
Un intérprete de guacharaca es
conocido como un guacharaquero.
.
4-
Tambora
La tambora, o bombo, es un
tambor grande, popular entre las comunidades africano-colombianas en las
regiones caribeñas de Colombia. Está hecha de corteza de árbol y cubierto con
piel de venado, cabra u oveja.
Las tamboras son esenciales en
la música cumbia, que se puede escuchar en toda Colombia, incluyendo el
Carnaval de Barranquilla y el Festival Nacional de la Cumbia en El Banco,
Magdalena.
La tambora se toca con baquetas
y también forma parte de la tradición de la marimba de la costa del Pacífico,
donde los músicos cantan y juegan en las reuniones sociales, el culto del santo
y las vigilias.
Estas tradiciones son
transmitidas oralmente, con músicos mayores guiando a los percusores de tambora
más jóvenes.
5- Gaita
La gaita, también conocida como
kuisi, es un instrumento de viento indígena de la costa caribeña de Colombia.
Se cree que fue tocado primero
por el pueblo Kogi de la Sierra Nevada de Santa Marta. La gaita está hecha de
cactus, con una pluma en un extremo y agujeros para diferentes notas.
Tiene una versión masculina,
femenina y corta, con varios números de agujeros, y se utiliza en la cumbia, el
merengue, la puya y la música porro.
La gaita es conocida como la
“gaita colombiana” porque también tiene un instrumento del mismo nombre en
España, denominado como gaitas españolas.
Sus devotos más famosos son los
ganadores del Grammy Latino los Gaiteros de San Jacinto, quienes también tocan
la batería y las maracas cuando se presentan.
.
7- Cencerro
El cencerro es un instrumento
de percusión usado en varios estilos de música incluyendo salsa, porro e
infrecuentemente en música popular.
Su nombre debe el honor a la
campana que se ha utilizado por los pastores a lo largo de la historia para no
perder de vista al ganado.
En la música colombiana se
utiliza el cencerro dentro del género musical porro palitiao.
8- Caja
vallenata
La caja vallenata, similar a
una tambora, es uno de los tres instrumentos principales o tradicionales de la
música vallenata.
Caja es la palabra de argot
adoptada para apodar este tambor. También hay un tambor caribeño llamado caja,
utilizado en la música de Colombia
la Región Norte Pacífica[editar]
Las danzas de la región pacífica se clasifican en Sacras (Bundes
y arrullos) que tienen connotación religiosa, y las danzas Profanas, algunas de
ascendencia Europea (Contradanza, Mazurka, Danza, Jota, Polka, etc) y otras con
una marcada influencia Africana (Abozao, Moña, Currulao, etc.)
Algunas de las danzas más conocidas de la región pacífica
colombiana son: Abozao, Andarele, Bambazú, Bonifacia, Buluca, Bunde, Caderona,
Currulao, Guayabita,Jota Careada, Jota Redonda, Manteca, Mazurka, Moña Cuca,
Paula, Pilón, Pizón, Punto, Pasillo negro.
Abozao[editar]
Danza y ritmo típico de la región del Chocó, se origina en la
cuenca del río Atrato, sub-región del Chocó, al occidente de Colombia, como
expresión danzaría preferentemente instrumental, y hace parte del repertorio
festivo cuya ejecución se hace con Chirimía. La coreografía se plantea como un
juego de incitaciones mutuas entre el hombre y la mujer, en cada pareja,
terminando con un careo de acento erótico. El ritmo fuerte y variado de 2x4,
revela su ascendiente africano.
Es un baile de pareja suelta con movimientos libres e
individuales, sin planigrafía definida; tampoco tiene figuras preestablecidas
ni hay coordinación de movimientos corporales, éstos se presentan
espontáneamente, destacando el movimiento de las caderas, hombros y rodillas,
con inclinaciones y rotaciones del cuerpo, vueltas y giros rápidos. Las parejas
tienden a mantenerse frente a frente, aunque de vez en cuando los hombres dan
un rodeo a su pareja, sin apartar la mirada de los movimientos corporales de la
mujer. Como el contenido es acentuadamente erótico, todos los gestos son
incitantes y provocativos. Sobre este baile los grupos de proyección han
presentado formas coreográficas con base en círculos, filas o hileras,
conservando los movimientos característicos.
Bunde[editar]
Danza religiosa que se ofrece a los santos cuya coreografía
difiere del currulao a pesar de ser interpretado por los mismos instrumentos.
Como ritmo musical está muy extendido entre las comunidades
afrocolombianas del litoral Pacífico, con un posible ascendiente en Sierra
Leona (África). Tiene carácter de canción lúdica y difiere, en grado menor, de
la forma de canto empleado en los velorios de los niños. En este sentido es una
expresión de los ritos fúnebres y, a la vez, una forma de canto inserto en el
ámbito de las rondas y juegos infantiles que ejecutan los chiquillos en el
patio de la casa mientras los adultos se ocupan del rito mortuorio propiamente
dicho.
En la interpretación del bunde se emplean únicamente los
tambores, que registran una métrica pausada. Los cantos, en coro, se alternan
con los toques del tambor en aquellas ocasiones en que se trata de una
celebración; en caso contrario, las voces no intervienen. Numerosas canciones
del repertorio del litoral, que son cantos de folclor lúdico o rondas de juego,
se bautizan con el nombre de bundes, tales como "El chocolate",
"El punto", "El trapicherito", "El florón",
"El pelusa", "Jugar con mi tía", "Adiós tía Coti"
y "El laurel".
Currulao[editar]
Es la danza patrón de las comunidades afrocolombianas del
litoral Pacífico. Presenta características que sintetizan las herencias
africanas de los esclavizados traídos en la época colonial para las labores de
minería adelantadas en las cuencas de los ríos del occidente del territorio. En
la ejecución del currulao es posible aún observar características propias de un
rito sacramental impregnado de fuerza ancestral y de contenido mágico.
El currulao es un baile de pareja suelta, de temática amorosa y
de naturaleza ritual. Los movimientos de los danzarines son ágiles y vigorosos;
en el hombre adquieren por momentos una gran fuerza, sin desmedro de la
armonía. La mujer perpetúa una actitud sosegada ante los anhelos de su
compañero, quien busca enamorarla con flirteos, zapateados, flexiones,
abaniqueos y los chasquidos de su pañuelo. La coreografía se desarrolla con
base en dos desplazamientos simultáneos: uno de rotación circular y otro de
translación lateral, formando círculos pequeños, los que a su vez configuran un
ocho. Las figuras que predominan son la confrontación en cuadrillas, avances y
retrocesos en corredor, cruces de los bailarines, giros, saltos y movimientos
del pañuelo.
La danza adquiere gran belleza plástica mediante la concreción
de variados elementos, como la esbeltez de hombres y mujeres, la seriedad
ritual de los rostros, el juego con los pañuelos y la gracia de las actitudes,
que son reforzadas con gesticulaciones, jadeos y giros. Como danza patrón, el
currulao presenta variadas modificaciones regionales denominadas berejú,
patacoré, juga, bámbara negra y caderona.
La Jota[editar]
Siendo la jota un baile muy popular en las provincias españolas
de Aragón y Valencia, quedó muy poco de ella al convertirse en un ritmo criollo
de sabor negroide. Del ritmo vivo y fiestero de la "jota aragonés",
se pasó a un ritmo emparentado con el toque del currulao. En ella la melodía
pierde casi todo el relieve sonoro y el "canto" propiamente dicho,
transformándose en una secuencia para ser bailada con pleno dominio de los
tambores.
Existe diversidad de variantes: condoteña, careada, cruzada y
sangrienta; todas estas mantienen una estructura básica común, pero se
diferencian en su contenido argumental. La sangrienta, por ejemplo, es un
cuadro dramático que gira en torno al duelo de dos enamorados por ganar los
afectos de la misma mujer. La careada, por su parte, describe los recursos que
emplean los pretendientes para enamorar a su pareja.
Mazurca[editar]
Ritmo, canto y danza del litoral pacífico, cuyo origen se
remonta a las fiestas de los esclavos en época colonial, con un marco
coreográfico de especial relieve por la sofisticación y elegancia con que se
ejecuta la danza. Se acompaña de marimba de chonta, cununos (macho y hembra),
bombo y guasas instrumentos estos últimos interpretados por las mujeres quienes
a su vez hacen la parte cantada. La música y los coros tienen un cierto tono de
lamento. Los pasos y desplazamientos de la danza constituyen un juego amoroso
manifestado por el pañuelo que portan los bailarines.
La Moña[editar]
Danza de relación, es decir que cuenta con un argumento que se
relata con versos durante su ejecución. Creada por parte de los indígenas de
las primeras épocas Coloniales
Región Caribe[editar]
Algunos de los bailes típicos de la región norte de Colombia
son: Bulle-rengue, Ciempiés, Cumbia, Diablos y espejos, Farotas, Gaita,
Garabato, Pilandera, Seré sese, etc.
Bullerengue[editar]
Esta danza típica colombiana es efectuada sólo por mujeres. Es
quizás uno de los bailes en los cuales se destaca con mayor fuerza la
ascendencia africana. Ésta se pone en evidencia en los tambores, el palmoteo y
el canto coral que acompaña su ejecución. Al parecer, surgió como una reacción
cultural dentro del contexto ceremonial de las comunidades cimarronas,
probablemente en el Palenque de San Basilio. En esencia es una danza ritual que
se realiza de manera especial cuando las jóvenes llegan a la pubertad. El
bulle-rengue simboliza la fecundidad femenina, aunque no se descarta que
también en tiempos coloniales haya tenido connotaciones fúnebres.
Su radio de difusión es muy amplio. Posiblemente partió del
Palenque de San Basilio y se extendió luego a otros municipios del litoral
Caribe y la provincia de Darién, en Panamá, en lugares donde la concentración
de la población afrodescendiente es muy alta. En dichos lugares se sustituyó el
batir de palmas por el choque de tablas de madera y se varió la temática ritual
por una de contenido amoroso. La danza se transformó en parranda callejera,
bailada por una pareja mixta. Tenemos muy pocas informaciones acerca del
momento en que las danzas de origen africano dejaron de ser expresiones
rituales para convertirse en bailes profanos.
Qué es la música popular?
Frente a la música tradicional o folclórica, la música
popular no se identifica con naciones o etnias específicas sino que
tiene un carácter internacional. Entre los géneros más representativos de
la música popular de nuestro tiempo se pueden destacar el pop,
el rock, el hip hop y la música electrónica, entre otros
Qué es la música en resumen?
Puede decirse que la música es el arte que consiste en
dotar a los sonidos y los silencios de una cierta organización. ... La armonía,
la melodía y el ritmo, por citar tres elementos, son cuestiones que deben
tenerse en cuenta a la hora de generar música
Qué es una orquesta de música popular?
Orquesta popular: es aquella que interpreta la música actual
o popular, es decir, la que está de moda en esta época como rock,
jazz, música latina bailable, etc. Piano, sintetizador, batería, bajo
eléctrico, saxofón, trompeta y percusión variada son parte de los instrumentos
que la conforman.
Los 20 tipos de
música más destacados y populares
·
Los más clásicos: Música clásica. Jazz. Soul. Blues.
·
Conoce los principales los géneros en español: Flamenco. Salsa.
Reggaeton. Tango.
·
Estilos más populares: Pop. House. Rock. Punk.
·
Otros estilos musicales: Metal. Country. Funk. Disco. Techno. Rap y Hip
Hop. Ska. Reggae
·
Qué es una orquesta sinfónica?
·
Orquesta también es el lugar comprendido
entre el escenario y las butacas. El término proviene de la lengua griega y
significa “lugar para danzar”. ... La orquesta sinfónica o
filarmónica es aquella que tiene unos ochenta músicos y que incluye
instrumentos de todas las familias (cuerda, madera, metal y percusión).
Qué es la música folklórica?
La música tradicional o música folclórica es
la música que se transmite de generación en generación por vía
oral (y hoy en día también de manera académica) como una parte más de los
valores y de la cultura de un pueblo.
Qué es la música religiosa?
Música de culto o alabanza. La alabanza cristiana es vista como una forma
de adoración a Dios, la cual generalmente se desarrolla a través de himnos y
cantos en un templo o iglesia, como parte del servicio religioso o
culto a Dios y como acto de presencia en el acto de adoración que da la
congregación cristiana.
La música clásica:
Es la corriente musical que
casa principalmente la música producida o basada en las tradiciones de la
música litúrgica y secularde Occidente,
principalmente Europa
Occidental. Abarca un periodo de tiempo que va
aproximadamente del siglo XI a la
actualidad, aunque esta definición no es aplicable a la música realizada en
nuestro siglo a pesar de presentar las mismas características,1si
bien las principales características del género fueron codificadas
principalmente entre 1550 y 1900,
que es habitualmente considerado como el período característico de producción
de la música clásica. En un sentido historiográfico, la música clásica se
divide en varios periodos: música antigua o
medieval, que abarca el periodo comprendido por la Baja
Edad Media en Europa (1000-1400); la música renacentista (1400-1600);
la música barroca,
que coincide con desarrollo del arte
barroco (1600-1750); el clasicismo (1750-1800),
que en la Historia de la música y
la musicología,
es a veces llamado «música clásica»;2
el Romanticismo (1800-1910);
y la música
contemporánea, que comprende las distintas corrientes de música
clásica del siglo XX, que adopta la composición
atonal y disonante y otras tendencias
opuestas a corrientes anteriores.
Debido tanto a
sus características técnicas, a la creciente profesionalización de la profesión
de músico y compositor, y al contexto socio-cultural en el que se desarrolla (bajo
el patronazgo de aristocracia, iglesia y burguesía), la música clásica es
habitualmente definida como la música de tradición culta.3
En ese sentido,
la música clásica se distingue de la música popular y de otras formas musicales
no europeas por su característica notación musical simbólica,
en uso desde aproximadamente el siglo XVI.4
Dicha notación permite a los compositores prescribir
de forma detallada el tempo, la métrica,
el ritmo,
la altura y la
ejecución precisa de cada pieza musical. Esto limita el espacio para la improvisación o
la ornamentación ad libitum,
que son frecuentes en la música artística no-Europea y en la música popular.567
Otra característica es que mientras la mayoría de los estilos «populares»
tienden a desarrollarse alrededor del género de la canción,
la música clásica se ha caracterizado por el desarrollo de formas y géneros
musicales altamente sofisticados, y por el empleo de una muy variada y compleja
instrumentación.8
Por ello, la música clásica suele requerir de tanto los músicos como los
compositores un alto grado de profesionalización y especialización.
El término música
clásica aparece por primera vez a principios del siglo XIX, en un
intento para destacar el período como una edad
dorada de la música.9110
En la actualidad está asociado a la tradición de música culta y académica
descrita arriba, y es a veces sustituido por música culta o música
académica para incidir en la existencia de música de corte «clásico»
(en oposición a contemporánea), en otros géneros como por ejemplo la música
rock (véase Rock
clásico). Sin embargo, de forma popular, el término música
clásica suele reservarse casi en exclusiva para referirse al contenido
de este artículo
FECHA:07-05 2019
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GRADO: 7°
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PERIODO: II
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DOCENTE:ALEJANDRO HENAO
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ASIGNATURA: ARTÍSTICA
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- CONTENIDO
TEMÁTICO:
Plan de apoyo y recuperación del periodo
II
- COMPETENCIAS
A EVALUAR:
Cognitiva,
procedimental y actitudinal
- ACTIVIDADES:
Teniendo en cuenta lo visto en clase y
el material de internet, consulta y responde lo siguiente:
1.
Debes consultar
los datos bibliográficos sobre
el maestro ELADIO
VELEZ VELEZ
2.
Realiza un
boceto de la
imagen que quieres
intervenir del maestro
Eladio Velez
3.
Realiza una
copia en cartón
paja de una
de las obras
del maestro ELADIO VELEZ
VELEZ
4.
Al imitar
la imagen
debes Utilizar vinilos.
- EVALUACIÓN
Cada estudiante debe sustentar el plan de apoyo y
recuperación de forma oral y presentar de forma física el trabajo del mismo.
- BIBLIOGRAFÍA
Para
más información visita las siguientes páginas web:
Blogspot: benediktartes.blogspog.com
FERNANDO BOTERO.
Fernando
Botero
(Medellín, Colombia, 1932) Pintor y escultor
colombiano. Fernando Botero se graduó en 1950 en el Liceo de la Universidad de
Antioquia, sita en su ciudad natal. Posteriormente viajó a España para estudiar
a los grandes maestros de la pintura española (en especial a Goya y Velázquez).
Fernando Botero
Sus primeras obras de retratos, paisajes y escenas
costumbristas estaban realizadas con una pincelada muy suelta, que se iría
empastando progresivamente, al tiempo que tanto la perspectiva como las figuras
se volvían arbitrarias. A principios de los años sesenta, Fernando Botero se
estableció en Nueva York, donde sus pinturas le granjearon una notable
popularidad en el mercado artístico estadounidense. Entre sus obras más
conocidas cabe destacar La
alcoba nupcial, Mona Lisa a los doce años y El
quite.
Los músicos, de Fernando Botero
Su traslado a París coincidió con sus
primeros trabajos escultóricos, que compartían las características de su obra
pictórica. El estilo de Botero, plenamente figurativo, se caracteriza en lo plástico
por cierto aire naïf, y en lo temático por la representación de personas y
animales siempre como figuras corpulentas, incluso claramente obesas.
En la década de 1980 Fernando Botero se convirtió
en uno de los artistas vivos más cotizados del mundo, y algunas esculturas
suyas realizadas en bronce, mármol y resina fundida (Mujer a caballo, Perro, La corrida,
etc.) pasaron a ser parte integrante del paisaje urbano de muchas ciudades.
El arte collage es una técnica que consiste en la incorporación de diversas piezas unidas entre sí haciendo una creación colectiva.
Si bien el término collage era empleado solo en la pintura, actualmente podemos encontrarlo en diferentes áreas, como la literatura, música, la fotografía, el cine, la música, los videoclips, entre otros.
El collage puede estar integrado de distintos materiales, como fotografías, telas, recortes de periódicos, revistas, vidrios, y cualquier otro material que le añada un valor inédito a todo el conjunto.
El arte collage comenzó a ser implementada a principios del siglo XX en movimientos artísticos como el Cubismo, el Constructivismo, el Dadaísmo, el Surrealismo, el Futurismo, etcétera.
Características del arte collage:
El Collage fue implementado en diferentes movimientos y campos artísticos por lo Capital del Artete presenta las diferentes formas de implementar la técnica en cuanto a su creación:
- Elaboración de un collage: Dependerá del color y tipo de papel (liso o texturizado), así como la forma; en un collage podemos integrar imágenes, fotografías, dibujos e incluso recortes de periódicos o revistas; mismos que pueden ser unidos con pegamento, hilo, grapas o enmarcados con cristal o recuadros que permite reunirlos y poder visualizarlos.
- Clase de papel: En un collage, podemos usar distintos tipos de papel como lo es el carboncillo, arrugado, papel blanco o de colores, papel decorado, , papel texturizado, revistas, periódicos, carteles, etc.
- Elementos sólidos: para realizar un collage dentro de la escultura y la pintura, se puede implementar listones, madera, telas, hilos, metales, pedazos de cristal, utensilios de cocina, entre otros.
- Elementos líquidos: Un collage de pintura, presenta relieve derivado de la acumulación de pintura aplicada en gran cantidad, la cual es superpuesta creando relieves en la obra, adicional a ello la pintura puede incluir arena, madera, plástico, y otros elementos para la diversidad de texturas y piezas.
El ARTE RUPESTRE: es un tipo de arte que
se plasma en las rocas, generalmente en el interior de cuevas, grutas, cavernas
o abrigos, que forma parte del arteprehistórico. Este es un término
empleado en arqueología, y se han localizado muestras de arte rupestre en
el mundo.
Una pintura rupestre es todo dibujo o
boceto que existe en algunas rocas o cavernas,
especialmente los prehistóricos. El término «rupestre» deriva del latín rupestris,
y este de rupes (roca). De modo que, en un sentido estricto,
rupestre haría referencia a actividad humana sobre las paredes de cavernas,
covachas, abrigos rocosos e, incluso farallones
o barrancos, entre otros. Desde este aspecto, es
prácticamente imposible aislar las manifestaciones pictóricas de otras
representaciones del arte prehistórico como los grabados, las
esculturas y los petroglifos, grabados sobre piedra mediante percusión o
abrasión. Al estar protegidas de la erosión por la naturaleza o ubicación del
soporte, las pinturas rupestres han resistido el pasar de los siglos.
Se
trata de una de las manifestaciones artísticas más antiguas de las que se tiene
constancia, ya que, al menos, existen testimonios datados hasta los 35 000
años de antigüedad, es decir, durante la última glaciación.
No obstante, a mediados de septiembre del 2018, investigadores de la
Universidad de Witwatersrand en Sudáfrica encontraron una piedra en la que se
encuentran dibujos paleolíticos que superan los conocidos hasta la fecha. Se
estima que fueron grabados hasta 73 000 años atrás.1
Por
otra parte, aunque la pintura rupestre es esencialmente una expresión
prehistórica, esta se puede ubicar en casi todas las épocas de la historia del
ser humano y en todos los continentes,
exceptuando la Antártida. Las más antiguas manifestaciones y las de mayor
relevancia se encuentran en España y Francia.
Se corresponden con el periodo de transición del Paleolítico al Neolítico.
Del primero de los periodos citados son las extraordinarias pinturas de
la Cueva de Altamira, situadas en Santillana del Mar, Cantabria (España).
Estas
pinturas —y las otras manifestaciones asociadas— revelan que el ser humano,
desde tiempos prehistóricos, organizó un sistema de representación artística,
se cree, en general, que está relacionado con prácticas de carácter
mágico-religiosas para propiciar la caza. Dado el alcance
cronológico y geográfico de este fenómeno, es difícil, por no decir, imposible,
proponer generalizaciones. Por ejemplo, en ciertos casos las obras rupestres se
dan en zonas recónditas de la cueva o en lugares difícilmente accesibles; hay
otros, en cambio, en los que estas están a la vista y en zonas expeditas y
despejadas. Cuando la decoración está apartada de los sitios ocupados por el
asentamiento se plantea el concepto de santuario cuyo carácter latente subraya
su significado religioso o fuera de lo cotidiano. En los casos en los que la pintura
aparece en contextos domésticos es necesario replantear esta noción y
considerar la completa integración del arte, la religión y
la vida cotidiana del ser humano primitivo
ud me cae mal :(
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